“S“limite de escoamento” é um termo de engenharia: quanta pressão pode ser aplicada a um objeto antes que ele seja alterado irreversivelmente? Ellie Buttrose escolheu esta frase como título. Bienal de Adelaide 2026. Até onde os 24 artistas que eles reuniram podem levar suas ideias e o material com que trabalham?
Esta é uma exposição que coloca a escultura em primeiro plano. George Egerton-Warburton nos dá um gato atropelado preservado em resina. As folhas de cobre do Kirtika Kain foram imersas em banho ácido, deixando algumas partes protegidas por cera enquanto outras estão quase completamente destruídas. O gado em tamanho natural de Jennifer Matthews corre ao nosso lado como gado na galeria.
Mas para Buttrose, trata-se também de ultrapassar os limites políticos: “Até onde podemos levar as coisas na sociedade?” ela pergunta. “Até onde podemos levar o ambiente? Até onde podemos levar o espectro político antes que alguma coisa se rompa?”
“E então, quando isso acontecer, como viveremos nisso? E como responderemos a isso?”
Esta Bienal de Adelaide trata da superação da alienação: a alienação entre ideias; Isolamento entre artistas; Segregação de espaços de galeria. Obras do mesmo artista aparecem em diferentes espaços da galeria de arte Sul da AustráliaMas também na Galeria Samstag e no Jardim Botânico de Adelaide.
Vagando pela exposição, Buttrose para em frente a Mina Mina Jukurpa, duas grandes mas delicadas pinturas pontilhadas de Julie Nangala Robertson.
“As pessoas podem pensar que se trata de obras abstratas”, diz Buttrose sobre as imagens de mulheres viajando pelo condado.
“Mas se você sobrevoar a Austrália central, eles são profundamente representativos. E acho que o que é bastante interessante em viver na Austrália é que temos que lidar com a ideia de que abstração e representação não estão separadas.”
Na Bienal, nenhuma obra de arte é uma ilha: está sempre em diálogo com outra. As esculturas de Prudence Flint abordam a bagunça da escultura de Erica Scott feita a partir de objetos encontrados. Uma pintura de Helen Johnson é baseada no Colonial Police Gazette, observando as mãos hiper-realistas de silicone de Nathan Beard se transformando em dedos impossivelmente longos, enrolados em uma cabeça de Buda de latão e durião.
Programas que são “muito espontâneos” às vezes não conseguem “dar paciência suficiente para parar e pensar”, diz Buttrose. Aqui, com pares improváveis de artistas trabalhando em meios diferentes com preocupações completamente diferentes (pelo menos na superfície), “as coisas se misturam ou se chocam. Mas também faz você pensar um pouco mais”.
O mundo contemporâneo muitas vezes quer empurrar-nos para uma existência sem atritos: não há necessidade de fazer compras quando a comida cozinhada pode ser entregue; Não há necessidade de se perguntar se a IA pode fazer isso por você. Mas a alegria pode ser encontrada no atrito; É na forma como lutamos contra o mundo que somos mais capazes de compreendê-lo e a nós mesmos.
O show é sobre o trabalho e a dificuldade do trabalho. Este é o trabalho dos artistas – não apenas o trabalho de criação, mas os milhares de horas gastas no aperfeiçoamento das suas competências antes deste ponto, e as dezenas de milhares de horas gastas no seu pensamento sobre a arte. É sobre o trabalho de curadoria de Buttrose. E é sobre o nosso trabalho como espectadores criar o significado último dessas obras enquanto elas dialogam na galeria.
“Quando você faz o trabalho, quando passa pelos processos, quando aprende o suficiente, as coisas acontecem”, diz Buttrose sobre o compromisso de dedicar tempo à arte, mesmo que seja difícil ou você não a entenda. “Nem tudo está disponível o tempo todo. Você tem que trabalhar.”
E quando os espectadores fazem isso, diz ela, os artistas – e curadores – podem revelar mais.
Olhar mais a fundo nas obras é gratificante, como encontrar rostos na pintura de azulejos de banheiro de Helen Johnson ou perceber que a coleção de gravetos de Isadora Vaughan não são simplesmente objetos encontrados, mas composições cuidadosamente recortadas. A canoa verde de Lauren Burrow tem ecos de crocodilo, quanto mais você gasta com ela, mais detalhes surgirão.
Muitos dos atores estão fazendo grandes perguntas – mas, beneficamente, Yield Strength reserva espaço para muito humor.
Em uma coleção de obras de arte baseadas em ouro para retratar seu pai, o balde de xixi de Archie Moore (na verdade, prata com resina de ouro – mas parece muito realista) fica na frente de seu coração dourado e intrincadamente anatômico (na verdade, é prata esterlina banhada a ouro de 18 quilates). Quando você se aproxima de uma das belas telas de corpos figurativos em tons pastéis meio obscurecidos de John Spiteri, você se depara com uma série de emojis de vômito.
Yield Strength é um estudo de conceitos concorrentes – ideias que, talvez, não precisem competir entre si, como diz Buttrose.
“Eu queria abstração e ornamentação, mas também nojo e beleza”, diz ela. “As coisas não estão separadas no mundo.”
Num espetáculo de muitas contradições, talvez nenhuma exista mais do que o contraste entre desespero e esperança. “Meu pai quase morreu no ano passado”, diz ela, discutindo o humor da exposição. “Mas mesmo no luto existe o compromisso de estar no mundo e de ter risadas e momentos lindos. Essas coisas são muito complicadas.”
