Crítica de David Hockney – uma visão da natureza de 90 metros que só fica bem no seu telefone Arte

DO robusto Hockney convenceu a Grã-Bretanha do pós-guerra de que não havia problema em desfrutar da beleza e da liberdade. Surgindo no final da década de 1950, quando a energia libertada pelas revoluções artísticas de meio século antes se tinha dissipado num academismo enfadonho ou num masoquismo cansativo, a sua celebração descarada das formas tradicionais de beleza revitalizou a pintura moderna. Estes retratos duplos e cenas domésticas silenciosamente sentimentais celebravam o estilo de vida mais livre (se não mais simples) tornado possível pelas reformas económicas e sociais do período, sem que a raiva ou a ironia influenciassem o trabalho dos seus pares, para quem essas mudanças eram mais obscuras. (Afinal, se você fosse da classe trabalhadora e gay, o que você não amaria?)

Não é nenhum falso elogio chamar Hockney de sentimentalista brilhante. Nisto ele se assemelha a Andy Warhol, que foi retratado como uma espécie de manipulador fanático que se distinguiu pela pureza do seu amor pelos frutos da América capitalista e pela genialidade de comunicar esse amor entre aqueles que o partilhavam. O trabalho de Hockney durante uma década após 1963 deveria igualmente ser elogiado por refutar a mentira (perpetuada por aqueles que preferem ler sobre pinturas em vez de olhar para elas) de que a grande arte deve ser difícil de compreender, abominar o mundo do quotidiano e permanecer inacessível ao público em geral.

Mas então, lamentavelmente, o sarcasmo crítico pareceu alcançar Hockney. Esteja ele desesperado para ser levado a sério ou simplesmente dominado por seu potencial, um pintor que definiu uma época recuou para diálogos históricos imprudentes com Picasso e Van Gogh e começou a fazer experiências (com resultados mistos) com mídias que vão desde cenografia até aparelhos de fax. E assim nosso maior artista pop entrou na fase do jazz. Nos últimos 50 anos, Hockney oscilou entre esses dois modos, retornando ocasionalmente do macarrão para nos lembrar de seu dom para a comunicação direta (veja o dele). retrato do artista divinoseus retratos impressionistas de sua mãe idosa ou suas pinturas de paisagens de Yorkshire nos anos 2000). Mas é triste dizer que grande parte desta exposição pertence à última fase da tendência jazzística.

No centro está um friso de 90 metros de comprimento intitulado Um Ano na Normandia. Dramáticamente preparada para correr como uma fita ao redor do perímetro da galeria norte do Serpentine, esta impressão monumental retrata a mudança da paisagem ao redor da casa de Hockney na França ao longo das estações. Ele é construído a partir de aproximadamente 100 imagens digitais separadas, cada uma delas criada passando um “pincel” com ponta de borracha na tela do iPad. Essas fotografias são coladas em um computador, ampliadas para caber nas dimensões da galeria e depois impressas em uma tira de papel para contar uma história sobre as estações, assim como a Tapeçaria de Bayeux conta a história de uma conquista. Dramaticamente iluminado e apresentado em frente a uma parede azul escura para que brilhe como uma tela em um quarto escuro, os curadores transformaram-no em um espetáculo visual impressionante que se reproduzirá bem na tela de um telefone. O que é uma decisão sábia, porque na verdade é bastante decepcionante.

Um Ano na Normandia expressa um princípio favorito de Hockney, a saber, que a perspectiva de ponto único do que chamamos de pintura “realista” não descreve a maneira como os humanos veem. Isto parece estranho, mas pode ser facilmente demonstrado. Você está lendo o Guardian e provavelmente está perto de um vaso de planta. Feche o olho direito e olhe para isto. Agora feche o lado esquerdo e faça o mesmo. Você pode ter visto duas imagens diferentes do mundo através de suas duas “janelas”; Quando ambos estão abertos, seu cérebro une as imagens para criar uma combinação perfeita. Ao contrário das câmeras, não vemos da mesma posição em momentos diferentes, mas estamos sempre integrando informações de diferentes perspectivas e sua memória para criar a ilusão de continuidade narrativa. Hockney baseia-se nesta ideia criando uma perspectiva de “muitas janelas” na paisagem, composta por múltiplos momentos no espaço e no tempo.

Resumindo, é tudo interessante. Mas a revelação de que cada quadro é uma criação só faz sentido se o pintor conseguir fazer você acreditar em si mesmo. E eu não posso acreditar nessa foto. É desfeito pelo detalhe: as juntas entre cada painel estão inexplicavelmente sujas, as cores turvas resistem até mesmo aos esforços determinados para torná-las coerentes, e por vezes toques agradáveis ​​– um reflexo cintilante, uma cortina de chuva lilás – não conseguem escapar às limitações do meio. Este artista também não consegue escapar à sua natureza primaveril, que impregna até nas árvores caídas a impressão ligeiramente fria de possibilidade que prenuncia a primavera. No entanto, o maior problema é a artificialidade da imagem: ao rejeitar a perspectiva “mecânica” a que as fotografias nos habituam, Hockney adoptou uma forma de ver “pictórica” igualmente sofisticada. Vista como um todo, a obra não se parece em nada com passar por um filtro digital aplicado a todas as pinturas da Normandia feitas na região entre 1880 e 1940. Álamo de Monet Para Os campos de trigo de Raoul Duffy.

As obras de maior sucesso da mostra, por uma margem considerável, são duas pinturas que privilegiam a atenção aos detalhes que a pintura em acrílico exige e facilitam as relações pessoais. Parece que o parceiro de Hockney, Jean-Pierre Gonçalves de Lima, foi apanhado a olhar para o seu telefone. A sua expressão é simultaneamente sarcástica e condescendente, sugerindo que só concordou em posar para este retrato sob coação e com a condição de poder responder aos seus e-mails. Isso me lembra de Hockney Retrato devidamente comemorado de seus pais em 1977Em que seu pai, entediado com o processo, está absorto em um livro, enquanto sua mãe olha respeitosamente e com amor para o cavalete. O segundo retrato do sobrinho do artista, embora menos convincente, oferece mais vislumbres da capacidade de Hockney de retratar um personagem movido pelo afeto.

Mas mesmo essas pinturas são prejudicadas pela colocação de seus temas em mesas apresentadas em perspectivas opostas e perturbadoras. Não tanto uma homenagem a Van Gogh e Cézanne, mas um chute violento nas canelas do espectador, essas mesas reaparecem em cinco “pinturas dentro de pinturas”. exceto para contar aos cansados Todos As pinturas contêm elementos abstratos e representacionais ao mesmo tempo, esse tratamento das obras de arte como um jogo de lógica ou de adivinhação me parece uma traição à relação de Hockney com os espectadores que, comparados a Baudelaire, vão à Tate e ficam diante de obras-primas para que possam se considerar cultos.

Os verdadeiros conhecedores, e as pessoas por quem o trabalho de Hockney sempre foi atraído, são aqueles que conseguem encontrar beleza em tudo ao seu redor. Quando saio da Serpentine Gallery, o sol superou as nuvens da manhã e os Jardins Kensington estão floridos. A primavera chegou, como vem ameaçando há vários parágrafos, e uma magnólia que floresce violentamente na Exhibition Road não se preocupa com a possibilidade de parecer derivada ou kitsch para os críticos de arte que passam. A lição do melhor trabalho de Hockney é a mesma: mesmo nestes tempos mais deprimentes, deveríamos poder desfrutar do mundo.

• David Hockney: Um ano na Normandia e algumas outras reflexões sobre pintura Serpentina Norte, Londres, 12 de março a 23 de agosto